Marcela Moraga, Caminar en cuatro pies, performance, documentación de performance en miniDV, video, 06:10 min. Berlín, 2011. Todas las imágenes son cortesía de Die Ecke

Por una parte, Marcela Moraga (1980) problematiza la relación entre el hombre y la naturaleza, comparando la percepción de la naturaleza con la cultura visual y urbana. El comportamiento del ser humano se da a entender como algo rígido y obsesivo, que opera independiente de la naturaleza, llegándose a desvincular totalmente de ésta y perdiendo totalmente la relación con la tierra.

Utilizando como herramienta de trabajo la acción de arte y el video principalmente, Moraga aborda temas como el comportamiento del individuo ante la falta de espacio verde en la ciudad, su necesidad de recurrir a la naturaleza a pesar de obviarla y la pérdida de identidad que tiene el ciudadano con la naturaleza, como es la pérdida de su origen.

En Caminar en cuatro pies, Moraga viste un overol, el cual tiene adherido tierra, piedras, ramas y hojas de árbol. En la performance la artista camina a través de la ciudad en cuatro pies, cruza avenidas, sube escaleras del metro, se mezcla con los transeúntes. No hay un recorrido definido, el personaje solo camina, sin dirección. Caminar sobre cuatro pies a través de la ciudad es ir contra el orden vertical de éstas.

Marcela Moraga, Protección de los Sentidos, Arte acción, documentación de la acción en HDVideo, 10:30 min. Hamburgo, 2010.

Protección de los Sentidos es una acción en un bosque. Allí Moraga realiza una rutina humana: limpiar. En la acción limpia obsesivamente plantas, piedras, troncos de árbol y la tierra. Limpiar es un acto que tiene que ver con proteger. En la acción de limpiar el bosque se expresa nuestra equivocada forma de relacionarnos con la naturaleza, ya que los elementos naturales se asumen aquí como objetos humanos, como cosas que se ensucian. La acción compulsiva de limpiar la naturaleza nos habla también del intento de control y dominio que realiza el ser humano sobre el medio ambiente.

Tener pies y no tener Tierra, performance, documentación de la performance en HDVideo, 7:30 min. Berlín, 2011.

Tener pies y no tener Tierra se trata de una performance donde una persona carga un bolso lleno de tierra y, mientras camina, la va botando sobre la calle. La tierra va formando un camino o huella. En este proyecto la artista reflexiona sobre la relación del ser humano con el suelo, la tierra. “Hay tres situaciones que me llevan a realizar esta acción: el problema ambiental que alerta de la contaminación y desaparición de suelo fértil, el problema económico que tiene que ver con el alto precio del suelo y la agroindustria, y elproblema político-social que significa la posible desaparición del campesino e indígena, quienes autosustentan en parte su alimentación desde la tierra”, dice Moraga.

Enrique Ramírez, Horizon, film HDCam.22 min. Francia, 2009. Producido por Estudio Nacional de Artes Contemporáneas Le Fresnoy.

Enrique Ramírez (1979) presenta una serie de videos que tienen como tema el paisaje, los cuales invitan a deambular por la memoria y la imaginación con cierta subjetividad en la visualidad. Dichos paisajes pertenecen a la historia, contextos historiográficos específicos, los cuales a menudo se encuentran en un estado transitorio, en un espacio intermedio, entre la espera y el tránsito, todos homogenizados en una visualidad contemplativa y estética.

“La obra de Enrique Ramírez podría ser descrita como incursiones poéticas hacia la humanización de distopías contemporáneas. Sus películas, fotografías e instalaciones trabajan con la política del éxodo, del exilio y de la discontinuidad de la memoria, pero para Ramírez se trata siempre de una ardua búsqueda en el imaginario subjetivo. Los vastos paisajes que a menudo aparecen en su trabajo son concebidos como espacios geo-poéticos de la imaginación, territorios abiertos para la visión y para deambular. El ánimo de las imágenes es de estado contemplativo: los paisajes, la brisa, el agua, la arena, parecen trabajar juntos en un esfuerzo por dar una visión subjetiva”, señala María Berríos.

Horizon es un film y video instalación que abarca poética y políticamente el problema de la inmigración. Se basa en un gesto simbólico de lanzar una casa al Canal de la Mancha entre Francia e Inglaterra, lugar de espera y tránsito, conocidos por muchos inmigrantes.

Jusque-là, Film HD, 30 min. Bolivia, Chile, Francia, 2011. Producido por Lab-banque y Estudio Nacional de Artes Contemporáneas Le Fresnoy.

Jusque-là, el otro trabajo de Ramírez, transcurre en un pequeño pueblo en Francia llamado Bethune, en donde los “Caritativos” de la cofradía más antigua del mundo aún en funcionamiento (825 años) hablan de lo que podría existir entre la vida y la muerte. Más allá en un lugar remoto, un hombre camina por un paisaje surrealista, donde el cielo y la tierra son lo mismo. Ese paisaje se confunde entre lo que podría ser la vida y la muerte.

Brisas, 35mm, 13 minutos. Chile,Francia, 2008. Producido por Estudio Nacional de Artes Contemporáneas Le Fresnoy.

Brisas es el tercer video que exhibirá Ramírez, del que comenta: “Luego de 19 años de democracia en Chile, la gente común y corriente, los ciudadanos, solamente pueden entrar a la Moneda de norte a sur, es decir, desde la Plaza de la Constitución a la Plaza de la Ciudadanía. Está prohibido darse la vuelta y/o salir por el lado contrario. Esto es un signo de que las puertas de La Moneda fueron abiertas, pero al mismo tiempo es un símbolo de que no se debe retroceder en la historia, sólo se debe mirar hacia adelante”.

Nicolás Rupcich, ML, Full HD, audio estéreo, 01:43 min., 2011

La obra de Nicolás Rupcich (1981) pone en discusión el concepto de imagen en nuestra sociedad en relación con la fotografía, el video y los nuevos medios. De esta manera, aborda el tema del registro haciendo énfasis en la constante y diversa producción de imágenes que existen junto la necesidad social de capturar todo lo que se presente ante nuestros ojos, planteada como una obligación creada por estos nosotros mismos.

Su trabajo reflexiona sobre las características técnicas de la imagen hoy, centrándose en su artificialidad, desde cómo afecta la producción en la imagen, cómo se configura nuestro entorno, hasta qué reacciones produce el concepto de “imagen” en nuestra sociedad.

En la muestra en Barcelona exhibe un claro ejemplo de esta aproximación: ML, un video en el que todas la pinturas han sido borradas de los muros del Museo del Louvre. El video solo muestra turistas con sus cámaras digitales en una sala vacía. La experiencia de una de las imágenes más famosas del mundo, la Mona Lisa, puede ser vista solamente a través de las pantallas LCD de las cámaras.

En otro trabajo, Copyright (DV NSTC, audio estéreo, 02:10 min., 2006), se ve sobre la imagen del cielo la palabra “Copyright” cruzando lentamente, acompañada por el audio de una composición de Mozart ralentizada en un 1000%. El video cristaliza ideas en relación a la privatización y comercialización de la imagen en nuestra sociedad.

Por último, en Automático, los protagonistas son cámaras fotográficas digitales que se fotografían mutuamente en una de ronda de disparos de flash. El trabajo se dirige al tema del registro, no apunta a la reproducibilidad de la imagen sino a la cantidad y capacidad de producir imágenes hoy en día por cualquier tipo de usuario.

Nicolás Rupcich, Automático, DV NTSC, Audio Stéreo, 46 seg., 2006

Colectiva de Videoarte Chileno: Marcela Moraga, Enrique Ramírez, Nicolás Rupcich

Die Ecke Art Contemporani, Montmany 27, Local 08012 – Barcelona, España

Del 22 de mayo al 28 de junio de 2012

Esta muestra participará en el Screen Festival from Barcelona

Estos artistas han sido reseñados por Artishock en las secciones Artista de la Semana (una vitrina para artistas emergentes internacionales) y Studio Visit (visitas al taller de artistas de mediana y amplia trayectoria), o han participado en otros proyectos de la revista, como Artishock Gabinete de Dibujo.

Como parte de su participación en la feria y de los proyectos programados para este año de Artishock OFF, la editora Alejandra Villasmil estará ofreciendo una charla sobre Publicaciones Especializadas en Arte Contemporáneo y los Desafíos de la Autogestión en Chile, el viernes 25 de mayo, a las 16.30 horas, en la Sala Finlandia.

Artistas y espacios participantes en Sala Yagán de Más Deco Market

Y1
Santiago Salvador Ascui

Y2
Martin Eluchans

Y3

Juan Pablo Fuentealba

Y4
Geraldine McKinnon

Y5
Matilde Huidobro

Y6
Pia Subercaseaux

Y7
Andrés Herrera

Y8
Camila Pino Gay

Y9
Coca Burnier

Y10
Virginia Carvajal, Diego Becas, Alejandra Bobadilla

Y11
Editorial Meninas

Y12
Digital Gravura

Y13
Alejandro Ortiz

Y14
Cristián Elizalde

Y15
Sebastián Utreras

Y16
Jacinta Besa

Y17
Artishock

Y18
Artishock

Y19
Artishock

Y20
La Cueva del Conejo

Y21
Digital Gravura

Y22
Digital Gravura

Islas Yagán
Galería 13

Módulos Falabella
Falabella

Barra Yagán
Mural y Barra Heineken

ARTISTAS  DE ARTISHOCK

Mauricio Garrido

Mauricio Garrido, Las Tentaciones de San Antonio, 2011, collage, 2.35 x 1.14 mts. Cortesía del artista.

Mauricio Garrido, escultor y collagista, viene trabajando desde hace algún tiempo con la mítica historia de Las Tentaciones de San Antonio. Muchos artistas, desde El Bosco hasta Claudio Bravo, han representado esta fascinante narración, y Garrido ofrece su propia interpretación en siete collages de gran formato, como el que presentamos en la feria.  Para Garrido, Las Tentaciones son una metáfora de la invasión del cuerpo y mente del hombre a través del exceso de información, lo onírico y enciclopédico, el cuerpo transfigurado e invadido de la contemporaneidad. Lo que más le atrae al artista chileno de Las Tentaciones es su visualidad: rica, cargada, barroca, llena de fantasías, colores y alegorías.

Su imaginario es surrealista, exuberante, complejo y oscuro al mismo tiempo. Su trabajo ha sido catalogado muchas veces como neo-barroco y abarca diversos medios tales como la escultura, el collage, textiles y video arte. Su obra revisa los códigos de representación a lo largo de la historia del arte y está particularmente centrada en la figura de la alegoría como un método de narración sintetizada.

Elefantes, chimpancés, camaleones y corales han sido siempre los protagonistas en la obra de Mariana Najmanovich. Con los animales intenta, por un lado, traducir una parte del extraordinario espacio que la naturaleza ofrece, y de alguna forma evidenciar la fragilidad y el riesgo al que están expuestos. En algunas obras, los animales conviven y dialogan con figuras humanas y elementos diversos, generando escenarios más ligados a lo oculto, lo onírico y en actitudes que no se logran leer necesariamente con la razón o con el entendimiento lógico. Ahora la artista vuelca su obra hacia el paisaje y, más concretamente, hacia la intervención humana en éste, en lo que es la continuación de su investigación sobre la relación entre la naturaleza y el hombre.

Diego Hernández, Pintura, Esmalte y óleo sobre tela, 120 x 120 cms. Cortesía del artista

Uno de los rasgos característicos de la obra del pintor chileno Diego Hernández es su composición. Las figuras, en su mayoría alusivas al mundo del cómic, la cultura popular, la historia de la pintura -la pintura de caballete- o referentes de la identidad de Chile -la bandera chilena- se insertan en un espacio pictórico monocromático y plano, como flotando, sin ningún tipo de conexión visual entre ellas. Pareciera que el artista ubica estos iconos en el plano a través de un proceso automático e improvisado, dando la libertad al espectador para hacer sus propias conexiones entre ellos. Son pinturas abiertas, gráficas, con guiños tanto a a Picasso como a Snoopy. Pinturas sensibles, sin pretensiones, honestas, llenas de color y de vida.

Diego Hernández (Santiago de Chile, 1972). Vive y trabaja en Santiago de Chile. Cursó estudios de pintura y grabado en la Escuela de Arte de la PUC, pero se podría decir que Hernández es un artista autodidacta, entrenado en el ejercicio constante de la producción y exploración de sus límites como pintor. Es por ello que su obra recoge diversas y disímiles etapas. Desde su época de estudiante ha participado en varias exposiciones colectivas, entre éstas Sin Título, en Matucana 100, Santiago (2008). Entre sus exposiciones individuales destacan El Pintor Bohemio, Galería Die Ecke, Santiago (2011) y Lost, Galería Moto, Santiago (2009). Ha recibido el Fondart en varias ocasiones y fue nominado a un Premio Altazor 2012 en la categoría Pintura.

Felipe Santander, Díptico Playmovil, 2009, Costura de plástico y cuero sintético, 58 cm x 100 cm. Cortesía del artista

La obra de Felipe Santander está muy ligada a su infancia. Su padre trabajaba en una imprenta y su madre es costurera. Sumado a sus pasos por la publicidad, el diseño y las artes visuales, este artista chileno ha logrado confeccionar un estilo propio, al que llama “gráfica textil”. Allí se mezclan, además del dibujo vectorial y las cuerinas, el volumen escultórico, lo artesanal y el diseño digital, en una suerte de pintura expandida. Su proceso de trabajo es laborioso y opera por capas, formal y conceptualmente, y la iconografía deriva del pop, la espontaneidad del arte callejero, la gráfica popular y la cultura mediática. En el 2010 representó a Chile en la campaña mundial de Converse, You’re on.

Felipe Santander es artista visual y vive en Santiago de Chile. Estudia Diseño Gráfico, y habiendo trabajado en algunas agencias de publicidad, ingresa a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile donde encuentra el ambiente apropiado para la investigación y desarrollo de lenguajes visuales que se relacionaran, de una forma mas directa, con sus intereses, motivaciones y referentes en el mundo de la gráfica. En Agosto de 2009 forma parte de la selección latinoamericana en la bienal de Beijing 798, China, con la obra Mystic Force. En Septiembre de 2009 realiza su segunda exhibición individual que recibe el nombre de RETROVISOR: An Hilvanado Experience, en Sala de Arte SAM, proyecto premiado por el Fondo Nacional de la Cultura y las Artes FONDART. En Julio de 2010 realiza su tercera exhibición individual llamada SO BROKEN en Galería MORO. Durante el mismo año funda Editorial Conejo, un grupo de publicación experimental del cual es director. Durante mayo y Junio de 2011 presenta en la Corporación Cultural de Recoleta la muestra GREATEST HITS, una colección de sus cuatro años de carrera artística que se transforma en su cuarta exhibición individual. En 2011 organizó Materiales Ligeros, el primer proyecto de Editorial Conejo, una experiencia colectiva y multidiciplinaria que incluye la publicación de un libro, una exposición de artes visuales en Galería Balmaceda (Santiago) y la exhibición de un documental.

Yaikel, Florero, 2011, acrílico sobre madera, 50 x 40 cms. Cortesía del artista

El trabajo de Yaikel podría definirse como una suerte de “surrealismo pictórico contemporáneo”, vinculado a corrientes como el low brow art y a las prácticas de los artistas ingenuos modernos. Sus pinturas y acuarelas de habitaciones o paisajes desolados tienen como actores principales ciertos objetos, motivos o símbolos recurrentes: plantas aparentemente carnívoras, jarrones y ataúdes vivientes con patrones alegres y coloridos, fuentes y figuras romboides. Se trata de escenas lúdicas y absurdas, algunas más narrativas que otras, pero en definitiva sugerentes y optimistas. Yaikel pertenece a una generación de artistas chilenos emergentes que comparten este lenguaje pictórico asociado a la ilustración y el graffiti, en el que priman colores alegres, composiciones planas y personajes cuasi anónimos o uniformes en acciones automáticas, como el estar sentado o de pie. Lo urbano y lo rural se combinan en estas historias, una mirada al imaginario personal juvenil.

Sobre Más Deco Market

Más Deco Market agrupará las mejores tiendas de diseño y decoración, diseño de autor nacional e internacional, clásicos, mueblistas y una dosis de artistas emergentes, en conjunto con charlas, cine, música y otras actividades. Se realizará en Factoría Italia, emblemática construcción patrimonial que se levanta en en el barrio Italia, que se ha posicionado como el destino para el diseño en la capital chilena. Serán 4 mil m2 de diseño y 5 salas multifuncionales.

Artishock en Más Deco Market

Factoría Italia, Av. Italia 830, Barrio Italia, Santiago de Chile

Del 24 al 27 de mayo de 2012, de 11:00 a 23:00 horas

Exhibición y venta de obras

Sala Yagán, del 24 al 27 de mayo de 2012, 11:00 a 23:00 horas

Charla

Publicaciones Especializadas en Arte Contemporáneo y los Desafíos de la Autogestión en Chile. Por Alejandra Villasmil

Sala Finlandia, 25 de mayo, a las 16.30 horas

Entrada general: $5.000

http://masdecomarket.cl/

U-TURN Project Rooms, S. López, Michael Dean, Yes No (working title), 2011, escultura de concreto, 200 x 100 x 9 cm. Cortesía: arteBA

En 2012 la feria eleva la infraestructura expositiva de las galerías participantes. Distribuidas en los Pabellones Verde y Azul de la Rural, las galerías seguirán siendo las grandes protagonistas de la feria. Estarán distribuidas en el sector del cuerpo principal, en U-TURN Project Rooms by Mercedes-Benz, en el nuevo sector Arcos Dorados Solo Show y en Barrio Joven Chandon, la sección de la feria destinada a los artistas emergentes.

Se presenta además la novena edición del Premio arteBA-Petrobras de Artes Visuales, titulado Unánime. Bajo la dirección de Victoria Noorthoorn (curadora independiente, Buenos Aires, Argentina), se convocó a artistas argentinos de todas las disciplinas a explorar las posibilidades de la colaboración y la experimentación, generando proyectos inéditos a partir del diálogo entre tres o más artistas cuya colaboración fuese asimismo inédita.

Premio Petrobras, POP UP CARTOON, Emiliana Arias, Cecilia Lenardón, Silvia Lenardón, Guillermo Martínez, Renata Minoldo, Sebastián Rosés, Luciano Schillagi. Cortesía: arteBA

“Se huye del riesgo. Hay temor, temor a lo nuevo, temor a equivocarse. Es un momento donde necesitamos hacer tambalear el tablero y ver qué pasa. Es por esto que recurrimos a un modus operandi específico: la creación de nuevas instancias de colaboración, previamente inexistentes. Para esta edición del premio convocamos a tres o más artistas de todas las disciplinas – las artes visuales, la danza, el teatro, la música, la literatura, las investigaciones radiofónicas, el cine – a interactuar y entrar en diálogo; y, en concordancia con esto, convocamos a un comité de 12 intelectuales creadores de punta cada uno dentro de su ámbito y los desafiamos a ponerse de acuerdo”, explica Noorthoorn.

La invitación fue a elegir tres proyectos por unanimidad absoluta. Del total de las 150 propuestas recibidas sólo tres obtuvieron un subsidio de $20.000 (veinte mil pesos) para su producción y exhibición en arteBA. Una vez exhibidos en la Feria, otro Jurado otorgará el Premio (no adquisición) de $50.000 (cincuenta mil pesos).

El Comité de Selección estuvo integrado por los artistas visuales Fernanda Laguna y Patricio Larrambebere, la escritora y crítica María Gainza, la escritora e investigadora Ana Longoni, el curador independiente Javier Villa, el escritor Rubén Mira y los directores de teatro y dramaturgos Emilio García Wehbi, Mariana Obersztern y Rafael Spregelburd.

Los tres proyectos seleccionados por el Comité son:

POP UP CARTOON, presentado por Emiliana Arias, Cecilia Lenardón, Silvia Lenardón, Guillermo Martínez, Renata Minoldo, Sebastián Rosés y Luciano Schillagi

SPLATTER MORFOGENÉTICO / ARLT MASCHINE, presentado por Silvina Aguirre, Laura Bilbao, Roberto Conlazo y Lux Lindner

LA MULTISECTORIAL INVISIBLE, presentado por Gustavo Doliner, Ana Gallardo, Lola Granillo, Guillermina Mongan, Mariela Scafati y Elisa Strada.

Máximo Pedraza en Galería Alberto Sendrós, Bebedero para un solo pájaro, 2010, bronce, 30 x 20 cm (diámetro). Cortesía: arteBA

GALERÍAS PARTICIPANTES

Con el fin de asegurar la calidad expositiva y mantener la feria alineada a los estándares internacionales, un Comité de Selección escoge en cada edición una determinada cantidad de galerías para el cuerpo principal de la feria. Este Comité de selección lo presidió este año Laura Batkis (crítica de arte, docente y curadora independiente, Buenos Aires, Argentina) y lo integraron Sonia Becce (curadora independiente, Buenos Aires, Argentina), Luisa Duarte (crítica de arte y curadora independiente, Sao Paolo, Brasil) y Estela Totah (directora de la galería Del Infinito, Buenos Aires, Argentina), en representación de las galerías argentinas.

De Chile, participan XS y Galería Isabel Aninat

La directora y curadora de XS, Anita Jorquiera, ha participado otras veces en arteBA de manera individual, y esta es la primera vez que participa con la galería. Llevará la obra de Paula Dittborn, Nicolás Radic, Francisca Valdivieso, José Benmayor, Francisca Benedetti, Margarita Dittborn, Pilar Mackenna,  Francisca Aninat, Magdalena Atria y Alejandro Quiroga.

Magdalena Atria en Galería XS,  Justicia, 2011, Plasticina sobre aluminio. Cortesía: XS

Paula Dittborn exhibirá dos obras recientes. Usando la plasticina como material predominante, esta artista da vida a imágenes que selecciona de diversas películas, donde reproduce escenas del cine por medio de fragmentos.

Nicolás Radic, cuyo trabajo pictórico se enfoca en la composición y el uso del color, mostrará trabajos en óleo sobre tela representativos de aluminios, desechos y papeles.

Francisca Valdivieso mostrará sus esculturas pertenecientes a la serie Fábulas Blancas. Con un delicado y fino trabajo de escultura en porcelana, la artista crea personajes y situaciones pertenecientes a una narración.

Magdalena Atria, en tanto, presentará una de sus obras más recientes de su trabajo en plasticina.

Teresa Aninat & Catalina Swinburn en Galería Isabel Aninat, Nowhere II, 2011, performance, fotografía, 120 x 180 cm. (Edición de 5 + AP). Cortesía: Galería Isabel Aninat

La Galería Isabel Aninat participa con los artistas Colectivo Aninat & Swinburn, Mónica Bengoa, Paula de Solmihniac, Carlos Edwards, Voluspa Jarpa, Catalina Mena, Lotty Rosenfeld, Pedro Tyler y Manuela Viera-Gallo.

Luis Fernando Benedit en Cosmocosa, San Hubertus (detalle), 2008, madera, luz de neón, cabeza y cornamento de ciervo, objeto de madera y resina, 99 x 83 x 20 cm y 20 x 22 x 10 cm. Cortesía: arteBA

GALERÍAS PARTICIPANTES

CP: CUERPO PRINCIPAL DE LA FERIA

UT: U-TURN PROJECT ROOMS BY MERCEDES-BENZ

AD: ARCOS DORADOS SOLO SHOW

713 ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP

80M2 ARTE & DEBATES (PERÚ) / AD

ABATE GALERÍA (ARGENTINA) / CP

ALBERTO SENDRÓS (ARGENTINA) / CP + UT

ALDO DE SOUSA (ARGENTINA) / CP

ALEJANDRA PEROTTI GALERÍA DE ARTE (ARGENTINA) / CP

ALEJANDRO FAGGIONI – ESTUDIO DE ARTE (ARGENTINA) / CP

ANGEL GUIDO ART PROJECT (ARGENTINA) / CP

ARRÓNIZ ARTE CONTEMPORÁNEO (MÉXICO) / CP

ARTE X ARTE (ARGENTINA) / CP

BARÓ GALERÍA (BRASIL) / CP

BISAGRA ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP

CASTAGNINO ROLDÁN (ARGENTINA) / CP

CENTRO DE EDICIÓN (ARGENTINA) / CP

CHEZ VAUTIER (ARGENTINA) / CP

COSMOCOSA (ARGENTINA) / CP

CULTURA PASAJERA (ARGENTINA) / CP

DACIL ART GALLERY (ARGENTINA) / CP

DEL INFINITO ARTE (ARGENTINA) / CP

DEL PASEO (URUGUAY) / CP

DOCUMENT ART GALLERY (ARGENTINA) / CP

DOT FIFTYONE GALLERY (ESTADOS UNIDOS) / CP

ELSI DEL RIO ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP

ESPACIO LA PUNTA (ARGENTINA) / CP

FERNANDO PRADILLA / EL MUSEO (ESPAÑA / COLOMBIA) / CP

FOSTER CATENA (ARGENTINA) / CP

GACHI PRIETO GALLERY (ARGENTINA) / CP

CASAS RIEGNER (COLOMBIA) / UT

GC ARTE (ARGENTINA) / CP

HENRIQUE FARÍA FINE ART / 11 X 7 GALERÍA (ESTADOS UNIDOS / ARG.) / CP

IGNACIO LIPRANDI ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP + UT

ISABEL ANCHORENA (ARGENTINA) / CP

ISABEL ANINAT (CHILE) / CP + AD

JACQUES MARTÍNEZ GALERÍA (ARGENTINA) / CP

JARDÍN OCULTO (ARGENTINA) / CP

JOHANN KÖNIG (ALEMANIA) / UT

JORGE MARA – LA RUCHE (ARGENTINA) / CP

JÚPITER (ARGENTINA) / CP

LA CENTRAL (COLOMBIA / MÉXICO) / AD

LAURA HABER GALERÍA DE ARTE (ARGENTINA) / CP

LUIS ADELANTADO MX (MÉXICO) / CP

MASOTTATORRES ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP

MATILDE BENSIGNOR (ARGENTINA) / CP

MENDES WOOD (BRASIL) / UT + AD

MIAU MIAU (ARGENTINA) / CP

MIRTA DEMARE (HOLANDA) / CP

MURILO CASTRO (BRASIL) / CP

NILS STAERK (DINAMARCA) / UT

NORA FISCH ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP

NUEVEOCHENTA (COLOMBIA) / CP

OFICINA#1/CARMENARAUJO ARTE (VENEZUELA) / AD

OSCAR CRUZ (BRASIL) / CP

PALATINA (ARGENTINA) / CP

PRAXIS INTERNATIONAL ART (ARGENTINA) / CP

PROGETTI (BRASIL) / CP

PROYECTO A – ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP

PROYECTOS MONCLOVA (MÉXICO) / UT

PSM GALLERY (ALEMANIA) / UT

RAEBERVONSTENGLIN (SUIZA) / UT

RENOIR (ARGENTINA) / CP

REVOLVER (PERÚ) / CP

RO GALERÍA DE ARTE (ARGENTINA) / CP

ROLF ART (ARGENTINA) / CP

RUBBERS INTERNACIONAL (ARGENTINA) / CP

RUTH BENZACAR GALERÍA DE ARTE (ARGENTINA) / CP

SARA GARCÍA URIBURU (ARGENTINA) / CP

SASHA D ESPACIO DE ARTE (ARGENTINA) / CP

SCHLIFKA / MOLINA ARTE CONTEMPORÁNEO (ARGENTINA) / CP

SUPPORTICO LOPEZ (ALEMANIA) / UT

SUR (URUGUAY) / CP

TERESA ANCHORENA (ARGENTINA) / CP

TRAVESÍA CUATRO (ESPAÑA) / UT

VAN EYCK GALERÍA DE ARTE (ARGENTINA) / CP

VAN RIEL (ARGENTINA) / CP

VASARI (ARGENTINA) / CP

VERA CORTES ART AGENCY (PORTUGAL) / CP

VERMELHO (BRASIL) / CP

WENTRUP (ALEMANIA) / UT

XS GALERÍA (CHILE) / CP

ZAMORA ARTE (ARGENTINA) / CP

ZAVALETA LAB (ARGENTINA) / CP

Travesía, de Gonzalo Lebrija, en U-TURN Project Rooms by MERCEDES-BENZ

U-TURN Project Rooms by MERCEDES-BENZ

U-TURN Project Rooms by MERCEDES-BENZ se presenta por segunda vez bajo la curatoría de Abaseh Mirvali (curadora y productora independiente, Estados Unidos). Reunirá la obra de 24 artistas de 14 países representados por 12 galerías de Argentina, Brasil, España, México, Dinamarca, Suiza, Colombia y Alemania.

Simón Catalán Molina en Museo Internacional de Chile (MICH), Barrio Joven Chandon, De la serie Transformaciones I, 2010, lápiz y acuarela sobre papel, 65 x 50 cm. Cortesía: arteBA

Barrio Joven Chandon

Este espacio de arteBA estimula la producción del arte joven apoyando a los emprendimientos nuevos, diferentes o alternativos al esquema tradicional de exhibición y venta de obras de arte contemporáneo. Para arteBA 2012 se convocó a galerías/espacios jóvenes, nacionales e internacionales que representen principalmente artistas latinoamericanos. El Comité de Selección de Barrio Joven Chandon 2012, integrado por Akio Aoki (director galería Vermelho, San Pablo, Brasil); Diego Bianchi (artista, Buenos Aires, Argentina) y Eva Grinstein (curadora independiente, Buenos Aires, Argentina), seleccionó 17 galerías/espacios para exhibir las obras de más de 85 artistas latinoamericanos.

Los espacios seleccionados para Barrio Joven Chandon son:

BIG SUR (BUENOS AIRES. ARGENTINA)

COBRA (BUENOS AIRES. ARGENTINA)

EL RANCHO (SAN MIGUEL DE TUCUMAN. ARGENTINA)

FELINA SUPER HEROÍNA (LA PLATA. ARGENTINA)

GALERÍA DANIEL MORON (SANTIAGO. CHILE)

GALERÍA EMMA THOMAS (SAN PABLO. BRASIL)

GALERÍA VIÑA ROJA LAS TOLDES (SALTA. ARGENTINA)

ISLA FLOTANTE (BUENOS AIRES. ARGENTINA)

LA HERRMANA FAVORITA (ROSARIO. ARGENTINA)

MITE (BUENOS AIRES. ARGENTINA)

MUSEO INTERNACIONAL DE CHILE (SANTIAGO. CHILE)

PEÑA (BUENOS AIRES. ARGENTINA)

PERFECTA GALERÍA (BAHIA BLANCA. ARGENTINA)

PROYECTO MUNGUAU BUENOS AIRES. ARGENTINA)

RAYO LAZER (BUENOS AIRES. ARGENTINA)

RUBY (BUENOS AIRES. ARGENTINA)

Y GALLERY (NUEVA YORK. EEUU)

Ignacio Wong en Galería Daniel Morón (GDM), Barrio Joven Chandon, Evo, dibujo, 2012. Cortesía: GDM

Galería Daniel Morón, una galería de arte colectiva fundada en 2008 y que lleva el nombre de un popular ex jugador de fútbol de doble nacionalidad (argentino/chileno), no posee espacio físico y desarrolla actividades de manera intermitente que en ocasiones se alejan de los parámetros convencionales del arte. Ha mostrado su trabajo en Galería Metropolitana, Galería Animal y Yono, entre otros espacios de Santiago de Chile. Para ArteBa representa el arte joven chileno con el stand Libertadores de América, que consiste en la presentación de obras y objetos que evocan recuerdos y parte importante del imaginario latinoamericano, como lo son el fútbol, los deportes, la música rock, la televisión, líderes políticos y la visión del arte universal desde un punto de vista geográfico local.

La propuesta de GDM es asumir un rol de tienda deportiva, haciendo un cruce entre feria de arte y feria libre. La Galería toma una doble nacionalidad, como lo es Daniel Morón, un ídolo chileno de origen argentino pero desconocido en su país natal. El stand tiene la disposición de un estadio sintetizado, con una cancha de fútbol (piso de pasto sintético) y televisores que se establecen como tableros marcador donde se exhibirán videos oficiales de la Galería Daniel Morón.

Los artistas participantes son Fabiola Alarcón, Enrique Flores, Sebastián Salfate, Ignacio Wong, y Nicolás Miranda como artista invitado.

Como en los últimos once años, Chandon comprará la primera obra a puertas cerradas que será destinada a MAISON MOET HENNESSY ARGENTINA y, dando la Bienvenida al Barrio Joven Chandon, presentará un destacado proyecto del artista argentino residente en Francia, Pablo Reinoso.

Christian Vinck (Oficina #1 y carmen Araujo Arte) en Concurso Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana, Choque del tanquero Esso Maracaibo con el Puento sobre el Lago, 2011, óleo sobre tela, 127 x 100 cms. Cortesía: arteBA

Concurso Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana

Por tercer año consecutivo Arcos Dorados acompaña a arteBA apoyando la producción artística latinoamericana con el objetivo de generar una plataforma de circulación para la producción contemporánea de la región. Para arteBA 2012 redobla su apuesta inaugurando, en el marco del Concurso Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana, la sección de Solo Shows con la participación de las galerías representantes de cada artista.

Pablo León de la Barra (curador independiente, crítico, investigador y editor, México) es quién tuvo a su cargo la selección de 5 artistas jóvenes provenientes de Brasil, Chile, México, Perú y Venezuela para este nuevo formato. Los jóvenes talentos concursarán con una obra inédita por el Premio Adquisición de 15.000 dólares y al mismo tiempo participarán junto a sus galerías representantes en la nueva sección Solo Show de Pintura Latinoamericana que -en el contexto del concurso- ofrecerán al mercado una exhibición de su producción más actual.

Entre las cinco pinturas que concursarán por el Premio Adquisición el público podrá votar su obra favorita antes y durante el inicio de arteBA 2012 vía web a través de los sites de arteBA y McDonald’s de Brasil, Chile, México, Perú y Venezuela. Un Jurado de Premiación integrado por un coleccionista, un crítico, un galerista, un representante de Arcos Dorados más el voto del público, elegirá al ganador y la pintura premiada pasará a formar parte de la colección de Arcos Dorados.

Los artistas y galerías convocadas para esta tercera edición del concurso son:

CHRISTIAN VINCK (VENEZUELA) – Oficina #1/Carmenaraujo Arte (Venezuela)

IOSU ARAMBURU (PERÚ) – 80m2 Arte & Debates (Perú)

LUCAS ARRUDA (BRASIL) – Mendes Wood (Brasil)

MANUELA VIERA GALLO (CHILE) – Isabel Aninat (Chile)

PIA CAMIL (MÉXICO) – La Central (Colombia)

Chiara Banfi en Vermelho, Rickenbacker 1 y 2, 2012, madera laqueada, 180 x 110 x 7 cm c/u. Cortesía: arteBA

OPEN FORUM – Programa Part Time

18 DE MAYO – 18 horas

Rutas alternas para abordar el coleccionismo y mecenazgo

Hoy en día los coleccionistas han extendido su relación con las artes más allá de la mera acumulación de objetos y han asumido una participación sustantiva al apoyar a la producción artística, sin necesariamente limitar su participación a la adquisición. Por el contrario, el mecenazgo ha dejado de ser un acto que exclusivamente cuida los intereses del coleccionista, y se ha consolidado actualmente como una práctica que además de nutrir e irrigar la producción, encuentra oportunidades para capitalizar el fomento y promoción a las artes como una estrategia de negocio benéfica para ambas partes. Esto ha detonado que los artistas abandonen la forma tradicional y pasiva de recibir estímulos económicos y los ha incentivado a interesarse en el mundo productivo como cualquier otro profesional con innovadoras propuestas de trabajo y de negocio.

Maja Hoffman (Suiza), Catherine Petitgas (Francia. Reside en Londres), Patrizia Sandretto Re Rebaudengo (Italia), Patricia Vergez (Argentina). Coordinadora: Abaseh Mirvali (EEUU, Americas, Berlín).

19 DE MAYO – 18 horas

Nuevo coleccionismo: de lo personal a lo político

Jóvenes coleccionistas que además de crear sus colecciones privadas, manifiestan un claro compromiso con el mejoramiento del campo del arte a través de distintas iniciativas educativas, filantrópicas y curatoriales.

Moisés Cosio (México), Jay Khalifeh (Brasil), Sandra Mulliez (Francia), Guillermo Navone (Argentina). Coordinadora: Inés Katzenstein (Argentina).

20 DE MAYO – 18 horas

El curador y el mercado del arte

Actualmente la figura del curador se ha diversificado y su actividad incluye no solo curadurías y proyectos independientes y/o institucionales, sino también, en muchas ocasiones, la curaduría de proyectos feriales y galerísticos o el asesoramiento y consultoría en formación de colecciones. ¿Cómo se configura el trabajo del curador en ámbitos vinculados al mercado del arte? Cómo construye el curador un pensamiento crítico independiente en este contexto y como incide en él? ¿De qué manera actúa y se involucra, o responde y resiste, su práctica curatorial en este sistema? Son algunos de los lineamientos que se abordarán en esta mesa para debatir sobre algunos aspectos de la relación entre prácticas curatoriales y mercado del arte.

Pablo León de la Barra (México, Londres), Abaseh Mirvali (EEUU, Americas, Berlín), Victoria Noorthoorn (Argentina). Coordinadora: Laura Batkis (Argentina).

Tercerunquinto en Proyectos Monclova (U-TURN Project Rooms), Economía de Solidaridad (Solidarity Economy), 2009, esculturas en madera, 9 x 5.3 x 1.7 cm c/u. Cortesía: arteBA

FONDOS DE ADQUISICIONES

Una de las más importantes acciones que se desarrollan en el marco de la feria son los Programas de Adquisiciones de Museos y Empresas que generan gran expectativa en el público asistente, los participantes de la feria, el coleccionismo local e internacional  y los medios de comunicación que lideran la cobertura de los contenidos de arteBA.
En el marco de esta nueva edición de la Feria, continúa el Programa Matching Funds arteBA-Zurich, que en su octava edición permitirá que el Museo de Bellas Artes de Salta, Malba – Fundación Costantini de la Ciudad de Buenos Aires y el Museo Castagnino + Macro de Rosario incrementen sus colecciones. Zurich destinará para cada uno de estos tres importantes museos la suma de 30.000 pesos y, a su vez, cada museo deberá igualar o superar esta suma con fondos de contraparte.

A este compromiso se suma el Programa de Museos impulsado por arteBA, que en esta oportunidad permite al Museo Franklin Rawson de San Juan, al Museo de Arte Contemporáneo de Salta y al Museo provincial de Bellas Artes Dr. Juan Vidal de Corrientes incorporar obras faltantes en sus colecciones y estimular la activación del mercado del arte.

Otra iniciativa es la del Ministerio de Ambiente y Espacio Público del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que lanzará un proyecto que incorporará piezas de arte contemporáneo al patrimonio público de la ciudad. En el marco del lanzamiento de la Colección Espacio Público, se expondrá en la explanada de la feria una importante obra de Pablo Siquier expuesta recientemente en el Centro Cultural Recoleta que luego se emplazará en una locación destinada especialmente a la Colección.

También como parte de las acciones vinculadas al coleccionismo, Manifesto adquirirá por tercer año consecutivo obras para su colección de arte contemporáneo. Siguiendo esta iniciativa de adquisiciones de empresas, este año en el marco de arteBA Feria, la empresa Brooksfield comenzará su colección contemporánea, destinando un fondo de 200.000 pesos a tal fin.

ARTEBA 2012

Del 18 al 22 de mayo de 2012

Inauguración: 17 de mayo, 19:00 horas (por invitación)

La Rural, Pabellones Azul y Verde, Avenida Sarmiento 2704, Buenos Aires, Argentina

Cortesía CNCA

El Primer Ciclo Nacional de Talleres Día de la Fotografía es una instancia de formación que será liderada en cada región por reconocidos fotógrafos nacionales y cuyo objetivo es contribuir a la profesionalización de estos artistas. Entre ellos están Jorge Gronemeyer, Nicolás Wormull,  Andrea Jösch y Paz Errázuriz.

De estas clases surgirán las imágenes que conformarán las 15 exposiciones simultáneas que se inaugurarán el 19 de agosto próximo en cada región. Además habrá una gran muestra en Santiago con la selección del trabajo de creadores de todo el país. Estas mismas imágenes se instalarán en los paraderos del Transantiago.

La convocatoria se cierra el 23 de mayo, para que luego los profesores de cada taller seleccionen a los participantes.

El Visionado Virtual de Portafolios Internacional es una convocatoria abierta a todos los fotógrafos del país. La actividad tiene como principal objetivo dar visibilidad a los fotógrafos nacionales en el extranjero, para que sus obras y nombres empiecen a rotar entre especialistas y circuitos internacionales.

Los visionadores serán los fotógrafos y curadores Iata Cannabrava (Brasil), Claudi Carreras (España), Alejandro Castellote (España) y Silvia Omedes (España), los cuales harán un riguroso seguimiento a la obra de ocho fotógrafos nacionales, después de haber llevado a cabo el proceso de selección. La convocatoria estará abierta hasta el 31 de mayo.

Al finalizar el proceso se espera que cada uno de los fotógrafos participantes posea un trabajo visual completo, para ser difundido por el Área de Fotografía del Consejo de la Cultura durante el 2013.

Cortesía CNCA

Finalmente el próximo 1 de junio se lanzará la convocatoria abierta a los colectivos fotográficos y fotógrafos de Coquimbo, Maule, Biobío y Los Lagos para participar en los Talleres de Fotografía 1+1=3, los cuales se llevarán a cabo de forma simultánea durante los días 26, 27, 28 y 29 de junio en las regiones mencionadas.

Esta actividad regional forma parte del Programa Nacional de Capacitación para fotógrafos impulsado por el Área de Fotografía del CNCA. El plazo para postular es hasta el 22 de junio de 2012. Al cierre del taller se realizará la maqueta de un libro, que quedará como registro de este trabajo grupal en que se desarrollará una serie fotográfica, elegida en conjunto entre los participantes y los profesores. El próximo año estos talleres serán replicados en otras regiones del país.

Información completa en www.cultura.gob.cl/ciclotalleres

Ashley Zangler, Untitled, 2008, cera, pintura spray, objetos encontrados, óleo, acrílico, plastilina, harina, sal, bicarbonato de soda, vidrio. Dimensiones variables

Ashley Zangler, Untitled, 2008, cera, pintura spray, objetos encontrados, óleo, acrílico, plastilina, harina, sal, bicarbonato de soda, vidrio. Dimensiones variables

Ashley Zangler, Untitled, 2008, cera, pintura spray, objetos encontrados, óleo, acrílico, plastilina, harina, sal, bicarbonato de soda, vidrio. Dimensiones variables

Ashley Zangler, Untitled, 2008, cera, pintura spray, objetos encontrados, óleo, acrílico, plastilina, harina, sal, bicarbonato de soda, vidrio. Dimensiones variables

Ashley Zangler, Untitled, 2008, cera, pintura spray. Dimensiones variables

Ashley Zangle, Untitled, 2008, cera, objetos encontrados, pintura en spray, sal. Dimensiones variables

Ashley Zangle, collage, pintura spray

Ashley Zangle, tinta sobre papel

The Kingpins – Polyphonic Ring Cycle. Cortesía: M100

The Kingpins -Who Made Who Made. Cortesía: M100

Con este ciclo, el área de artes visuales de M100 reformula el criterio curatorial y espacial de Galería Concreta, transformándola en un lugar exclusivo para el video arte en el transcurso de este año, integrando la profusión y desarrollo de este medio en el ámbito internacional y asumiendo, a la vez, la importancia que ha tenido en el contexto local con referentes como Juan Downey.

El video arte como una tradición arraigada desde hace más de cinco décadas es reinventado en la actualidad por artistas emergentes, quienes con distintas formaciones culturales y procedencias geográficas han generado una producción distintiva tanto en su medio local como internacional.

Así, un comité seleccionador por país eligió a tres o más artistas, quienes estarán presentes en este ciclo de 10 muestras. Curadores, galeristas y críticos seleccionaron a video-artistas de Australia, Argentina, México, Perú, Brasil, Colombia y Chile.

Para la muestra se ha transformado espacialmente la galería. Se crearon tres habitaciones de 4 x 6 metros cada una, con dos puntos de vista: el primero, desde el mirador de Galería Concreta, y el segundo, desde abajo, enfrentándose directamente con la proyección al fondo de cada habitación.

Tony Schwensen – C’Mon spectators. Cortesía: M100

BOO AUSTRALIA

La primera muestra que inaugura el ciclo es de Australia y es curada por Tim Welfare, quien vive en Chile desde hace dos años y ha desarrollado una particular visión de cómo se representan las identidades australianas en nuestro contexto: desde una famosa marca de ropa hasta la devoción por las bandas musicales.

Con una visión crítica, que conjuga el humor y el sarcasmo, invitó a los principales exponentes del video arte en su país natal para describir las identidades fracturadas entre dos naciones completamente distintas, pero que comparten similitudes que rayan en lo bizarro.

“Boo Australia es una exposición de videoarte que contrasta con las representaciones habituales de Australia. Tiene elementos de declaración de principios, algo de análisis y un poco de reseña; a fin de cuentas, es una especie de carta de amor para todas las voces de Australia. Y tal como tantos otros países, tenemos la influencia de nuestra cultura nativa, de la cultura inglesa, de las diversas voces étnicas y, finalmente, de la seductora risa envasada de la cultura estadounidense. Queda claro cómo la informalidad y la irreverencia se transformaron en productos culturales subversivos de exportación. Simplemente, seguimos la pista de otros. Sacamos una pizca. Emulamos. Plagiamos. Remezclamos. Citamos. Sampleamos. Contrabandeamos. Combinamos. Como muchos países, Australia encontró su voz a través de otros”, dice el curador.

Los artistas australianos participantes son Ian Andrews, Emile Zile, The Kingpins, Anna Davis + Jason Gee, Philip Brophy, Denis Beaubois, Alex Kershaw, Lauren Brincat y Tony Schwensen.

Texto curatorial

Entrevistas a artistas

Boo Australia

Galería Video/Concreto, Matucana 100, Santiago de Chile

Hasta el 27 de mayo de 2012

Todas las imágenes son cortesía de AJG Contemporary Art Gallery

Para su primera exposición individual en España, que se inaugura hoy en AJG Contemporary Art Gallery, en Sevilla, ha realizado dos series de dibujos: Fantasmas: casos, compuesta por rostros de gran formato realizados a carbón sobre papel, y Fantasmas: cosas, dibujos a carbón y tiza en pequeño formato que representan una selección de objetos y cosas.

Joaquín Cociña, detalle de Fantasma: Nacida en 1983, primera aparición en un cuadro de 1974, firmado por Peter Flag, 2012, carbón sobre papel, 220 x 150 cm. Cortesía: AJG Gallery

Joaquín Cociña, Fantasma: Nacida en 1983, primera aparición en un cuadro de 1974, firmado por Peter Flag, 2012, carbón sobre papel, 220 x 150 cm. Cortesía: AJG Gallery

Dibujo, ¿Por qué?

Por Joaquín Cociña

La respuesta está en otras preguntas. Esas preguntas fueron desde el comienzo sobre la pintura. Yo quería ser artista y eso significaba ser pintor: ¿Cómo dedicarse a las artes representativas sin ser un pintor? ¿Cómo ser un pintor si uno ha aprendido a pintar mirando reproducciones de libros o proyecciones en una clase? ¿Cómo abordar la pintura sin pintar? ¿Cómo pintar si creo que la pintura es arqueología de una técnica más bien muerta? ¿Cómo hablar de algo sin decirlo?… Entonces apareció el dibujo.

Mis dibujos son en general figurativos, pero no creo que representen lo primero que se ve (caras, objetos) sino mas bien son reproducciones de reproducciones de cuadros que quedaron olvidados en la historia del arte. Como si tomara pedazos de cuadros inexistentes, los ampliara y aislara para darles valor. Imagino un rostro de un súbdito en un cuadro francés de segunda, luego imagino ese fragmento ampliado en un libro en blanco y negro. Más tarde imagino que escaneo ese libro y lo imprimo muy grande, lo enmarco en dorado, le pongo un vidrio y  prendo unas cuantas velas. Bueno, en vez de todos esos pasos, lo que hago es dibujar algo que me de esa sensación. Pero ¿por qué? Pues por que creo que el acto de dibujar es un acto de conocer, de aprender.

Todos mis dibujos los realizo a mano alzada, buscando la imagen en el proceso, siempre abierto a que la obra me diga qué es lo que debo hacer. Dibujo porque mis preguntas sobre el dibujo y la pintura sólo me impulsan a tratar de resolver esas dudas en las obras y no en frases contundentes.

Pero acá va una frase que trata de ser contundente: Para mi el dibujo es una forma de ilustrar las huellas de un medio en desaparición o desaparecido: la pintura. No creo que sea posible hacer un retrato en dibujo o en pintura. Creo que lo que hago es convocar a muchas pinturas, dibujos, fotos, películas y personas que se aparecen a través de los dibujos como Fantasmas.

Joaquín Cociña: Fantasmas

Del 11 de mayo al 16 de junio de 2012

AJG Contemporary Art Gallery, Sevilla, España

Vista del montaje de la Tercera Edición de la Trienal Poli/Gráfica de San Juan, Latinoamérica y El Caribe. Todas las imágenes son cortesía de la organización

El equipo curatorial de la presente edición está liderado por Deborah Cullen, Directora de Programas Curatoriales en el Museo del Barrio, Nueva York, quien trabaja junto al brasileño Antonio Sergio Bessa, Director de Programas en The Bronx Museum of the Arts, Nueva York; la mexicana Ursula Dávila-Villa, Curadora Asociada del Departamento de Arte Latinoamericano del Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas, en Austin; y la puertorriqueña Rebeca Noriega, curadora, gestora independiente y profesora de la Universidad de Puerto Rico, Río Piedras.

Históricamente, la Trienal Poli/Gráfica ha explorado el grabado y las expresiones gráficas de Latinoamérica y El Caribe desde el punto de vista histórico y sus manifestaciones contemporáneas, sobre todo en el campo expansivo: los cruces interdisciplinarios, las concepciones amplias de qué constituye una pieza de arte gráfico. Como muestra de carácter “revisionista”, expande el espectro de la gráfica desde el grabado tradicional a un concepto más amplio de arte poligráfico, que incluye todo tipo de medios y lenguajes artísticos. En esta edición, la trienal explora la noción de lo poligráfico desde su cualidad esencialmente colaborativa, destacando las redes sociales, reales y virtuales, donde convergen las prácticas y sus figuras principales.

Es justamente de este espíritu de donde deriva el título de esta edición de la Trienal, El Panal/The Hive, una celebración de los frutos del genio colaborativo, logrados tanto mediante procesos creativos como técnicos. “Aunque no podemos equiparar la estructura jerárquica de un panal de abejas a ninguna comunidad de artistas, sí podemos invocar la dedicación de sus miembros a algo que está más allá de cualquier individuo particular del grupo. La cohesión de un panal artístico implica un compromiso activo de trabajo en conjunto entre todos sus participantes: no se admiten diletantes”, dice la directora de la Trienal, Marilú Purcell Villafañe.

En esta trienal, los artistas no sólo están colaborando unos con otros como iguales, sino que al hacerlo están participando en proyectos que superan las limitaciones de fronteras geográficas y nacionales, como lo podrán apreciar los asistentes en el mural de Dulce Gómez y La Pandilla en la Galería Nacional, o en la obra comisionada a SOMA y Beta Local, o en el taller educativo e interactivo de Atarraya Cartonera, entre otros ejemplos.

Atarraya Cartonera, Xerografías para una Estética Contra-Neoliberal, 2012, Línea de ensamblaje: cartón, cordel, impresiones láser. Imagen cortesía de los artistas

La Pandilla, Untitled, 2012, mural en colaboración con Dulce Gómez, 13’ 10” x 107’ 6”

Daily: una conversación en imágenes entre participantes de Beta-Local y SOMA.

“Uno de los pocos escenarios positivos engendrados por la crisis financiera internacional ha sido la manera en que, por necesidad, la gente se ha unido para enfrentar y resolver los problemas. Los artistas, que han sido tipificados por su ansia de estrellato y por lo general son duros críticos de sus pares, están descubriendo que hay que unir esfuerzos y trabajar juntos”, dice Purcell Villafañe.

Un excelente experimento de sinergia es Ente en la Casa de los Contrafuertes, originalmente una obra encargada a Charles Juhász-Alvarado (quien a lo largo de su carrera ha propiciado la colaboración con otros artistas) y ahora un proyecto de múltiples participantes cocapitaneado por Juhász y Néstor Barreto, del colectivo local Colección Maravilla. Ente comenzó como think tank y ha evolucionado hasta llegar a generar una polinización cruzada de disciplinas, hasta convertirse en un laboratorio de participación transgeneracional que por momentos parece un centro cultural, una base o “salón” para los artistas, quienes a su vez provocarán la participación activa del público.

“El espíritu de colaboración obviamente no es nuevo ni exclusivo de esta exposición —los impresionistas sin duda se nos adelantaron en ese ámbito— pero definitivamente es paradigmático de nuestra actual situación como comunidad global y artística. Por lo tanto, esta Trienal Poli/Gráfica funciona como un microcosmo de la sociedad global de artistas y su público, que también está sintiendo la necesidad de entregarse a proyectos compartidos y a la sinergia que de ellos emana”, dice la directora.

Esta edición de la Trienal cuenta con la colaboración y préstamo de obras del Museum of Modern Art (MoMA), el Bronx Museum of the Arts en Nueva York y el Blanton Museum en Texas, y el Museu de Arte Moderna (MAM) de Rio de Janeiro, Brasil.

Lotty Rosenfeld, No +, 1983, video, 5:48 min. Cortesía: Lotty Rosenfeld

ARTISTAS PARTICIPANTES

Ana Gallardo (Rosario, Argentina, 1958)

Benito Eugenio Laren (Buenos Aires, Argentina, 1962)

Carla Zaccagnini (Buenos Aires, Argentina, 1973 – vive y trabaja en São Paulo)

Sebastian Gordin (Buenos Aires, Argentina, 1969)

Siluetazo (Proyecto original de Rodolfo Aguerreberry, Julio Flores y Guillermo Kexel, Buenos Aires, 1983).

Tomás Espina (Buenos Aires, Argentina, 1975)

Alex Cerveny (Brasil, São Paulo, 1963)

André Komatsu (São Paulo, Brasil, 1978)

Antonio Dias (Campina Grande, Brasil, 1944 – vive y trabaja en Rio de Janeiro)

Augusto de Campos (São Paulo, Brasil, 1931)

Décio Pignatari (Judiaí, São Paulo, Brasil, 1927 – vive y trabaja en Curitiba, Brasil)

Ernesto Neto (Rio de Janeiro, Brasil, 1964)

Francisco de Almeida (Crateús, Ceará, Brasil, 1962 – vive y trabaja en Fortaleza, Brasil)

Lenora de Barros (São Paulo, Brasil, 1953)

Matheus Rocha Pitta (Minas Gerais, Brasil, 1980 – vive y trabaja en Rio de Janeiro)

Mestre Nosa (Taquaritinga do Norte, Pernambuco, Brasil, 1897 – São Paulo, Brasil, 1983)

Öyvind Fahlstrom (São Paulo, Brasil, 1928 – Estocolmo, Suecia, 1976)

Paulo Bruscky (Recife, Brasil, 1949)

Raymundo Colares (Grão Mogol, Brasil, 1944 – Montes Claros, Brasil, 1986)

Sérvulo Esmeraldo (Crato, Brasil, 1929 – vive y trabaja en Fortaleza, Brasil)

Waly Salomão (Jequié, Bahia, Brasil, 1944 – Río de Janeiro, Brasil, 2003)

Carlos Motta (Bogotá, Colombia, 1978 – vive y trabaja en Nueva York)

Lotty Rosenfeld (Santiago, 1943)

C.A.D.A. (Colectivo de Acciones de Arte) (activo en Santiago de Chile, entre 1979 y 1981, integrado por Lotty Rosenfeld, Juan Castillo, Fernando Balcells, Raúl Zurita y Diamela Eltit)

Nemesio Antúnez (Santiago de Chile, Chile, 1918 – 1993)

Guido Llinás (Pinar del Río, Cuba, 1923 – París, Francia, 2005)

Alan Ruppersberg (Cleveland, Ohio, EE.UU., 1944 – vive y trabaja entre Nueva York y Santa Mónica)

Asco (Colectivo activo en Los Angeles, California, entre 1972-1987 e integrado por Harry Gamboa Jr., Gronk, Willie Herrón y Patssi Valdez)

BAW/TAF – Border Arts Workshop / Taller de Arte Fronterizo (Colectivo fundado en San Diego, California, en 1984)

Corita Kent (Fort Dodge, Iowa, EE.UU., 1918 – Los Angeles, EE.UU., 1986)

Charles White (Chicago, EE.UU., 1918 – Los Angeles, EE.UU., 1979)

Ester Hernández (San Francisco, EE.UU., – 1944)

Jan Henle (Nueva York, Estados Unidos, 1948 – vive y trabaja entre Puerto Rico y Nueva York)

Juan Sánchez (Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos, 1954)

Harold Lehman (Nueva York, EE.UU., 1914 – Leonia, Nueva Jersey, EE.UU., 2006)

Ida Applebroog (Bronx, Nueva York, EE.UU., 1929)

Mariana Yampolsky (Chicago, EE.UU., 1925 – Ciudad de México, México, 2002)

Robert Blackburn (New Jersey, EE.UU., 1920 – Nueva York, EE.UU., 2003)

Reuben Kadish (Chicago, EE.UU., 1913 – Nueva York, EE.UU., 1992)

Tim Rollins (Pittsfield, Maine, EE.UU., 1955 – vive y trabaja en Nueva York)

BIP – Buró de Intervenciones Públicas (Proyecto fundado en 2010, en Ciudad de Guatemala, por Stefan Benchoam y Christian Ochaita)

Jorge de León Sanchez (Ciudad de Guatemala, Guatemala, 1976)

Paul Ramirez Jonas (Honduras, 1965 – vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos)

Lasar Segall (Vilna, Lituania, 1891 – São Paulo, Brasil, 1957)

Jaime Ruiz Otis (Mexicali, Baja California, Mexico, 1976 – vive y trabaja en Tijuana, Mexico)

José Antonio Vega Macotela (Ciudad de México, México, 1980 – vive y trabaja entre Ciudad de México y Amsterdam)

Luis Arenal (Teapa, Tabasco, México, 1909 – Ciudad de México, México, 1985)

Pablo Vargas Lugo (Ciudad de México, México, 1968 – vive y trabaja en Lima, Perú)

Antonio Manuel da Silva Oliveira (Avelãs de Caminha, Portugal, 1947 – vive y trabaja en Río de Janeiro)

Antonio Martorell (San Juan, Puerto Rico, 1939 – vive y trabaja entre Cayey y Ponce, Puerto Rico)

Atarraya Cartonera (Editorial fundada en 2009, en San Juan, por la poeta, traductora, guionista, diseñadora y organizadora cultural, Nicole Cecilia Delgado (Puerto Rico, 1980) y el artista plástico y poeta, Xavier Valcárcel de Jesús (San Juan, 1985).

Beatriz Santiago Muñoz (San Juan, Puerto Rico, 1972)

Biutiful Corbeja (Colectivo integrado por Elsa María Meléndez y Zinthia Vazquez)

Carlos Irizarry (Santa Isabel, Puerto Rico, 1938 – vive y trabaja en San Juan

Coco de Oro (Proyecto fundado en 1998 por Edgardo Larregui (San Juan, 1976 – vive y trabaja en Bayamón, Puerto Rico)

Conboca (Plataforma dedicada al desarrollo de proyectos relativos al arte y la cultura contemporánea en Puerto Rico desde el 2006 e integrada por Ángel Cardona, Rafael J. Miranda, Josué Oquendo, Abdiel Segarra y Omar Torres)

Chemi Rosado Seijo (Vega Alta, Puerto Rico, 1973 – vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico)

DESTO (Colectivo fundado en 2006, en Santurce, San Juan, Puerto Rico, por Jason Mena, Omar Obdulio Peña Forty y Raquel Quijano)

Diógenes Ballester (Ponce, Puerto Rico, 1956 – vive y trabaja entre Ponce y Nueva York)

Equis

Frances Gallardo (San Juan, Puerto Rico, 1984 – vive y trabaja entre San Juan y Nueva York)

La Pandilla (colectivo artístico activo desde 2009, compuesto por los puertorriqueños Alexis Díaz y Juan Fernández, ambos ex alumnos de la Escuela Central de Artes Visuales de Puerto Rico)

Lorenzo Homar Gelabert (San Juan, Puerto Rico, 1913 – 2004)

Marcos Dimas (Cabo Rojo, Puerto Rico, 1943 – vive y trabaja en Nueva York)

Michael Linares (San Juan, Puerto Rico, 1979)

Michelle Gratacós Arill (San Juan, Puerto Rico, 1984)

Miguel Luciano (San Juan, Puerto Rico, 1972 – vive y trabaja en Nueva York)

Myrna Báez (San Juan, Puerto Rico, 1931)

Nayda Collazo-Lloréns (San Juan, Puerto Rico, 1968 – vive y trabaja en Michigan)

Omar Obdulio Peña Forty (Río Piedras, Puerto Rico, 1977 – vive y trabaja en Carolina, Puerto Rico)

Omar Velázquez (Isabela, Puerto Rico, 1984 – vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico)

Papo Colo (San Juan, Puerto Rico, 1947 – vive y trabaja en Nueva York)

Proyecto GRÁFICA (Iliana emilia garcía, Moses Ros-Suárez, Pepe Coronado y Scherezade García)

Rafael Ferrer (San Juan, Puerto Rico, 1933 – vive y trabaja en Greenport – Nueva York)

René Santos (Arecibo, Puerto Rico, 1954 – Nueva York, EE.UU., 1996)

Tony Cruz (Vega Alta, Puerto Rico, 1977 – vive y trabaja en San Juan)

Hatuey Ramos-Fermín (Santo Domingo, República Dominicana, 1978 – vive y trabaja en Nueva York)

Julio Valdez (Santo Domingo, República Dominicana, 1969 – vive y trabaja en Nueva York)

Dulce Gómez (Caracas, Venezuela, 1967)

Busy Bees

By Deborah Cullen

Chief Curator, 2012 Trienal Poli/gráfica de San Juan

Sometimes artists do it better than curators. Oftentimes, in fact, they get right to the heart of the matter without our didactic curatorial worries. The project at Casa de los Contrafuertes, convened by Charles Juhász-Alvarado (with Néstor Barreto), shows rather than tells. It is a must-see event. Inspired by the theme set forth for this year’s Trienal Poli/gráfica de San Juan, “El Panal/The Hive,” these busy bees have enacted a hive of their own, thus affirming the curatorial premise that artists working with other artists remains a powerful and productive creative force.

Trienal Poli/Gráfica de San Juan
Del 28 de abril al 25 de agosto de 2012
Antiguo Arsenal de la Marina Española | Galería Nacional | Museo de Casa Blanca, San Juan, Puerto Rico

Maestros, artesanos y fabricantes son sólo algunos de los especialistas y técnicos que ayudan a dar forma a la visión creativa de estos artistas. Pero cuando un artista no hace su propio trabajo, ¿qué significado tiene para la naturaleza del arte y la condición del artista? ¿Cuál es la relación entre la creatividad y la producción?

El libro explora estas y otras preguntas acerca de la autoría, originalidad artística, habilidad, destreza y el acto creativo. A partir de una visión histórica que pasa por el arte moderno, The Art of not making pone de relieve el papel fundamental que tienen la artesanía y la producción industrial en la creación de algunas de las obras de arte más innovadoras del presente.

Organizado en cinco capítulos, el libro examinan las relaciones entre algunos de los artistas más importantes del mundo y los artesanos y fabricantes con los que trabajan, entre ellos Chris Burden, Louise Bourgeois, Matthew Barney, Mona Hatoum, Ai Weiwei, Daniel Buren, Kiki Smith, Tony Cragg, Liam Gillick, Sherrie Levine, Kara Walker y el mismo Petry.

Cristóbal Barria entrevista al autor para conocer más sobre la relación del artista con sus materiales y cómo se estructura su trabajo alrededor de éstos.

Michael Petry, The Lovers (Rope), 100 metros de soga tejida por Petry. Exhibido en America the Beautiful, Sundaram Tagore Gallery, Nueva York, 2007. Foto: Michael Petry

Me gustaría partir con una pregunta más bien general, que creo pueda preceder a su motivación por este libro: cuando un artista deja de hacer sus obras, cuando la mano del artista no toca la materia de la obra, ¿qué tipo de consecuencias conlleva en la naturaleza del arte, o si prefiere ser menos absolutista, qué consecuencias conlleva en la obra y en nuestra apreciación sobre ella?

Escribiendo The Art of Not Making recordé una y otra vez la cantidad de ocasiones en que la gente me había preguntado “¿cómo trabajas el vidrio?”, ya que muchas de mis obras están hechas de este material. Les tenía que explicar que yo no soplo el vidrio, pero hago el diseño de la obra y trabajo con el maestro artesano para desarrollar los prototipos y todo el proceso de producción. También me di cuenta de que tenía que explicar que esto era no sólo muy común en muchos artistas contemporáneos, sino que (y quizás aún más importante) es una tradición que se remonta al renacimiento.

Muy pocos no profesionales saben que las esculturas de mármol de Bernini (1589-1680) no fueron esculpidas por él, sino por sus numerosos asistentes. Él simplemente les daba un pequeño modelo con el que trabajaban para conseguir piezas como Apolo y Dafne, la más famosa. De igual modo, Rembrandt (1606-1669) tenía un estudio con asistentes que trabajaban con él en sus pinturas. Ahora nos encontramos con una situación rocambolesca en la que los comités internacionales de autentificación contemporáneos rechazan que una pintura es de Rembrandt porque sus asistentes habían trabajado en ella, pese a que está firmada por él, siempre ha constado como suya, él reconoció públicamente como propia, y el comprador entendió que es del holandés. Así, ahora tenemos cuadros que son 100% Rembrandts, otros 80%, otros 50%, y los llamados “del estudio de Rembrandt”.

En la pintura no ha cambiado nada, excepto el valor monetario de las obras, ya que mientras una obra hecha al 100% por un autor cuesta mucho dinero, una obra “de estudio” apenas vale nada. Así pues, cuando Rembrandt firmó esos trabajos confirmaba su autoría. Podemos ver entonces que no hay nada nuevo en que los artistas deleguen en otros su trabajo o parte de él. La única diferencia es que hay más gente que ahora entiende este proceso. En el siglo XVII sólo el clero o la aristocracia compraba o contemplaba pinturas (excepto en iglesias, donde se usaban como narraciones bíblicas), así como los pocos consumidores de la clase comerciante emergente; y todos ellos entendían cómo funcionaba un estudio. Lo que los artistas hacen hoy tiene una larga tradición.

José Damasceno, Dance Floor (Step by Step), 2006, mármol, dimensiones variables

Cuando leí la introducción de su libro me vino en mente el cómo ha mutado la relación con las computadoras: a medida que el mundo digital ha ido progresando, nuestra relación con el hardware se ha ido distanciando cada vez más. Mientras el usuario corriente aprende a maniobrar con un gran número de softwares se ve obligado a depender de un técnico para todo lo que tenga que ver con el hardware, algo que en los comienzos de la computación no ocurría. De una u otra forma esto introduce a las problemáticas del arte digital.  ¿Qué importancia tiene hoy esta pregunta sobre la relación entre mano y material pasados readymade, minimal, arte conceptual, la pintura (que no estaba muerta) y el arte digital, que hace esta pregunta tan refrescante?

En 1917, Marcel Duchamp cambió el curso de la historia del arte cuando creó Fountain, la primera obra “manipulada”, abriendo la puerta a otros artistas a no hacer las obras que llevaban su nombre. Él demostró que la producción del objeto físico no era el único modo de hacer una obra de arte. Hay que recordar que a medida que en el siglo XIX la clase media y la burguesía aumentaban su poder adquisitivo, el arte se puso de moda para parte de la sociedad como nunca había ocurrido antes. Es el momento que yo llamo “La Bohème”, cuando tuvo lugar la idea que el público en general tiene sobre el artista, como el hombre andrajoso y hambriento (nunca una mujer) con un pincel, en un piso húmedo y frío de París, en que también se esperaba que su novia o él murieran en la ópera pobres y incomprendidos. Fue en ese momento cuando Rodin también estaba creando piezas en bronce enormes, en ediciones de 8 o 10, donde cientos de trabajadores estaban realmente físicamente haciendo sus esculturas en una fundición. No obstante, la imaginación popular encontraba más atractivo ver al artista empobrecido y loco, como el mito de Van Gogh cortándose la oreja, tal y como se puede ver en la película de Kirk Douglas.

Duchamp demostró que este breve periodo romántico de disparates era realmente la aberración en crear arte, y que la idea es la cosa más importante. Así pues, ahora los artistas vuelven a ser libres de hacer o no físicamente sus obras. Yo mismo y otros en mi libro hacemos algunas, pero no todas. Liliane Lijn dice que “nunca deberías hacer nada que otro pueda hacer. Yo sólo hago las cosas que sólo yo puedo hacer”. Yo lo veo de la misma manera, así que si yo quisiera trabajar el vidrio hasta el estándar que necesito para mis obras tendría que estudiar treinta años y no dedicarme a nada más, y tendría que hacer lo mismo para las obras que hago en bronce. Por consiguiente, no tendría tiempo de hacer las dos, y mucho menos ninguna de las otras cosas que hago. No obstante, entiendo y aprecio las habilidades de aquellos con los que trabajo y siempre les doy crédito para la elaboración.

Gavin Turk, Chips to go, 2009, bronce pintado, 105 x 169 x 42 cms

Me está hablando de algo que quizás podamos llamar “división del trabajo” y que sin duda también modifica el lugar de trabajo. Tenemos el caso de los minimalistas, que jugaban con la idea de trabajar en una oficina, o The Factory de Warhol, o casos como hoy en día, el Studio Olafur Eliasson, que alberga a arquitectos, ingenieros, diseñadores, fotógrafos, etc. ¿Cuáles cree usted que son la similitudes y diferencias entre artistas, artesanos o diseñadores al trabajar con y desde los materiales?

Si te pregunto ¿sabes cómo es una película de Martin Scorsese o Pedro Almodóvar?, tú dirás que sí, porque entiendes que ellos no diseñan los vestidos (ni mucho menos los hacen), no escriben la banda sonora (o la tocan), ni los maquillajes, ni la iluminación, ni la grabación, ni la edición o ninguna de las cientos de cosas que vemos cuando una película está lista. Toda esta es la gente que realmente, físicamente, hacen la película, pero tú sabes que la película es la visión del director, es su película. Es su trabajo y todo el mundo lo entiende, y lo mismo pasa si te pregunto: ¿sabes cómo es un edificio de la arquitecta Zaha Hadid? Pero tú no la verás con sus vestidos Issey Miyake y los stilettos Manolo instalando el sistema eléctrico o el W.C, pero cuando el edificio está acabado es su trabajo – aunque miles de personas se lo hayan hecho. Muchos artistas contemporáneos trabajan de un modo similar y a una escala similar. Con el trabajo digital es aún más complicado, ya que el artista o diseñador no ha hecho el ordenador, la impresora o el software que le permite crear una imagen o video. Aún así, nadie diría que todo lo hecho en un Mac se tendría que acreditar a Apple.

Michael Petry, Web Portrait 7, una fotografía de un metro cuadrado de un objeto de cuero rosado cosido por Petry y que se asemeja al ano de un donante anónimo en la web. Exhibido en Palm Springs Art Museum, 2012.

¿Cuál es su criterio para elegir los capítulos de este libro? ¿Qué pasa con las nuevas tendencias sobre la elección de materiales? Actualmente, por ejemplo, hay una exposición en Le Maison Rouge (París) que se focaliza en el neón (Neon: Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue).

Decidí establecer los capítulos por materiales porque la calidad material de los objetos no es sólo importante para los artistas (esa es la razón por la que ellos los hicieron con esos materiales), sino que el público general también vuelve a tener interés en ellos y en el proceso. A la gente le gusta y quiere saber más acerca del arte ahora y de qué manera se ha hecho -esa es la razón por la que yo siempre incluyo a los artesanos en los créditos de las obras- de la misma manera que lo hace Almodóvar -no soy menos artista por incluir en los créditos a los vidrieros.

Por eso también incluí un capítulo donde no sólo entrevisto artistas, sino también artesanos, para saber cómo se sienten al trabajar para otros. Curiosamente, ninguno de los artesanos sentía la obra como “suya”. Normalmente, decían que jamás habrían podido concebir unas ideas tan locas. Trabajo con vidrio porque sus cualidades me permiten hacer realidad ciertas ideas; también trabajo con madera y hago esas esculturas en mi estudio de Londres con mis propias manos, y con mis asistentes. No obstante, las piezas hechas con cuerdas o con cuero son realizadas sólo por mí. Al final no importa si lo he realizado al 100% o no.

El primer capítulo es una revisión histórica para dotar al lector del contexto del debate. Luego elegí los capítulos en función de los materiales que muchos artistas utilizan. Muchos más artistas tienen obras hechas con vidrio o textil porque sin duda son los menos caros. Hay menos trabajos hechos con mármol o piedra debido al coste de producción, además de la logística para transportarlos. Lo mismo pasa con muchas piezas de metal. Las obras textiles normalmente muestran una calidad artesanal mayor que en otros materiales, y eso es lo que quizás el artista estaba buscando. El capítulo final, sobre los materiales, se centra en una amplia área de producción donde las obras se han realizado a través de grandes infraestructuras, como un estudio de cine, y vemos trabajos hechos de madera, cerámica, plástico y mucho más.

Do Ho Suh, Staircase IV, 2004, nylon traslúcido, dimensiones variables

Indudablemente, el tema que usted aborda abre paso a preguntarnos sobre la pedagogía del arte,  el cómo se enseña. ¿Cómo cree usted que se deben formar los artistas en su relación con los materiales? ¿Qué tanto oficio debe practicarse al interior de las escuelas de arte?

Creo que es importante ofrecer la enseñanza básica en arte en las escuelas hasta el nivel de graduado universitario. Yo soy profesor de Maestrías, donde las ideas son la cosa más importante, aunque yo quiero que mis estudiantes sean capaces de hacer algo -si quieren- o saber cómo encargar el trabajo a otros, si es mejor. En todo caso, tendrán que tener la habilidad suficiente en algún ámbito para transmitir esas ideas a los artesanos, ya sea con dibujos, simulaciones por computador o modelos. Yo dibujo, pero no creo que sea importante. Dibujar es una habilidad, pero lo que tú decidas dibujar es lo que puede convertir algo en arte, y lo mismo pasa con la pintura o la escultura. Puedes ser el mejor artesano del mundo pero no un buen artista, y vice versa. Vivimos en la era de la información y las ideas no son sólo objetos, sino algo muy rentable. Piensa en toda la economía que han generado las aplicaciones de teléfonos móviles; quién habría pensado hace cinco años que existirían, y ahora hay muchas especialmente creativas que nos llevan a un nuevo terreno. No estoy seguro que ya se haya hecho una gran obra de arte por internet o tecnologías similares, pero es sólo cuestión de tiempo para que un Duchamp digital salga a la palestra.

Michael Petry, Party, 2008, madera lijada, cuerdas de metal, instalación en Westbrook Gallery, Londres

Michael Petry ( El Paso, Texas, 1960) vive en Londres desde 1981. Estudió en Rice University, Houston (BA), London Guildhall University (MA), tiene un doctorado en artes de Middlesex University. Petry es un artista internacional, director del Museo de Arte contemporáneo (MOCA) Londres, curador de The Royal Academy Schools Gallery y curador invitado para Futurecity. Co-fundó “The Museum of Installation” y fue curador invitado en la Kunstakademiet, Oslo, y miembro investigador en University of Wolverhampton. Es co-autor de Installation Art (1994), y Installation in the New Millennium (2003), y autor de Abstract Eroticism (1996) y A Thing of Beauty is…(1997). La monografía sobre su práctica fue publicada por Art Media Press en el 2001. El Libro de Petry Hidden Histories: 20^thcentury male same sex lovers in the visual arts (2004) es el primer estudio de este tipo, y fue acompañado de la exhibición Hidden Histories que él curó para The New Art Gallery Walsall. También es autor de un libro de dos volúmenes Golden Rain (2008) que acompañó su instalación para la exhibición On the Edgeen Stavanger, el 2008, Capital de la cultura europea .el nuevo libro de Petry The Art of Not Making: The New Artist Artisan Relationship para Thames & Hudson fue publicado en Abril del 2011. Petry fue el primer artista en residencia en Sir John Soane’s Museum (2010/11) exhibiendo dos trabajos publicados en Smoke & Mirrors (2011).  Actualmente tiene una exhibición individual The Touch of the Oracle en el Palm Springs Art Museum (del 17 de Marzo– 29 de Julio, 2012) con un libro que revisa su carrera desde hace 10 años, distribuido por by Thames & Hudson.